Les 15 caractéristiques du théâtre les plus importantes

Le Caractéristiques du théâtre les plus importantes Ils sont étroitement liés aux éléments communs à tout travail ou performance. Le terme théâtre a ses origines dans le mot grec Théâtre, ce qui signifie un "endroit à regarder".

Par conséquent, à l'origine, le théâtre faisait à la fois un lieu et une forme particulière de perception. Aujourd'hui, le concept de théâtre peut se référer à: un bâtiment, une activité («aller» ou «faire» du théâtre), une institution et une forme d'art.

Le théâtre est la branche de l'art panoramique lié à la performance et à la représentation des histoires devant un public en direct, en utilisant une combinaison de discours, de gestes, de paysages, de musique, de sons et de spectacles qui cherchent à stimuler et à exciter le spectateur.

L'esprit joue également un rôle important dans le théâtre, car cette expression artistique est déchiffrée en fonction de la perception et de l'imagination du spectateur.

Toutes les pièces ont des éléments communs qui caractérisent cet art. Ensuite, vous pouvez voir plus en détail les fonctionnalités les plus importantes.

15 éléments caractéristiques du théâtre

1- Terrain

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C'est ce qui se passe dans le travail. Fait référence à l'action. L'organisation des événements ou la sélection et l'ordre des scènes dans une pièce. Selon Aristote, c'est un concept abstrait qui fait référence à la disposition des incidents qui constituent la matière première et les composantes de l'histoire.

L'intrigue est la manière dont ces incidents sont structurés dans un ensemble cohérent. Si la disposition de l'ordre d'origine est modifiée, un nouveau tracé sera généré. Dans le théâtre, deux types d'intrigue prédominent. Ensuite, ses principales caractéristiques et leurs éléments de différenciation:

Terrain de résolution 

• L'intrigue commence tard dans l'histoire, plus près de la fin ou de l'apogée.
• Couvre un court laps de temps.
• Contient quelques scènes solides et élargies.
• Il se produit dans une ville restreinte, une chambre ou une maison.
• Le nombre de caractères est gravement délimité.
• Peu de parcelles secondaires sont soulevées.
• La ligne d'action se déroule dans une chaîne de cause à effet. Les personnages et les événements sont étroitement liés dans une séquence de développement logique, presque inévitable.

Terrain de révélation

• L'intrigue commence relativement tôt dans l'histoire et passe à travers une série d'actes.
• Couvre de longues périodes.
• De nombreuses scènes courtes et fragmentées ou l'alternance entre les scènes courtes et longues.
• Peut couvrir une ville entière ou même dans plusieurs pays.
• Abondance de personnages.
• Fréquemment marqué par plusieurs fils d'action, plusieurs histoires parallèles.
• Les scènes sont associées les unes aux autres. Un événement peut résulter de plusieurs causes, ou aucune cause apparente, mais survient dans un réseau de circonstances.

2-

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Alors que l'intrigue fait référence à l'action de l'œuvre, le problème fait référence au sens de l'œuvre. Parfois, il est clairement indiqué dans le titre.

D'autres fois, il peut être déclaré par le dialogue par un personnage qui agit comme la voix du dramaturge. Parfois, le problème est moins évident et ne se pose qu'après avoir analysé le contenu de l'œuvre.

3- caractères

Ce sont les gens, les animaux ou les idées qui sont représentés par les acteurs de l'œuvre. En termes structurels, les personnages sont les agents d'action, qui fournissent les motivations des événements dans l'intrigue.

Chaque personnage doit avoir sa propre personnalité, son âge, son apparence, ses croyances, son histoire socioéconomique et sa langue. Selon leurs fonctions dans l'œuvre, certains types de caractères peuvent être examinés:

• Protagoniste: Le personnage principal.
• Antagoniste: Le plus grand adversaire du protagoniste.
• Homologues: Ils révèlent certains aspects du personnage principal pour avoir des circonstances ou des comportements similaires ou différents.

4-scénario ou texte

C'est le point de départ de la représentation théâtrale. C'est le texte par lequel le jeu est créé. Il se compose du dialogue, des instructions panoramiques, des descriptions des personnages et autres dans une œuvre. Il fait référence aux mots écrits par le dramaturge et interprétés par les personnages.

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5-

Classe distinctive de l'œuvre. Le genre vient d'un mot français qui signifie «catégorie» ou «gars». Le choix du genre reflète le point de vue de l'écrivain vers le sujet.

Les types d'œuvres suivants sont généralement représentés dans le théâtre: tragédie, comédie, mélodrame et tragicomédie. Chacun de ces genres peut être subdivisé plus par style et contenu dans:

La tragédie

C'est l'imitation d'une action sérieuse, complexe et pertinente. La tragédie est grave par nature à son sujet et traite des problèmes profonds. Ces problèmes profonds sont universels et éveillés de la compassion et de la peur du public lorsqu'ils sont témoins de l'action.

Comédie

Il a la vision de faire rire le public, il est généralement physique et énergique. Le comportement des personnages présentés est ridicule et parfois absurde. Stimule une correction du comportement de la société au public.

Mélodrame

C'est le drame de la catastrophe, les circonstances hors du contrôle du protagoniste provoquent les faits importants de l'intrigue. Les aspects de la faute et de la responsabilité du protagoniste sont éliminés.

Le protagoniste est victime de circonstances. Le mélodrame a un sens strict du jugement moral. Tous les problèmes présentés sont résolus de manière bien définie. Les bons personnages sont récompensés et les mauvais personnages sont punis.

Tragi-comédie

C'est le reflet de la vie elle-même, il contient tous les genres précédents. N'a pas l'intention de juger ou de rendre des jugements absolus. Il se concentre sur les relations de caractère et montre la société dans un état de flux continu.

6- Costumes et maquillage

Ce sont des éléments qui servent à caractériser les acteurs lorsqu'ils recréent un personnage.

Vestiaire

Fait référence aux vêtements et accessoires utilisés sur scène par un acteur ou un interprète. Les Grecs anciens étaient les pionniers à élaborer des costumes spécifiques pour chaque personnage, cet art a servi à relancer l'ère médiévale et à représenter de grandes marquises de la Cour.

Se maquiller

C'est l'utilisation de cosmétiques dans l'altération de l'apparence physique d'un acteur afin que son apparence s'adapte à un certain article ou pour compenser les effets de l'éclairage panoramique.

L'art du maquillage a été révolutionné par l'introduction de l'éclairage électrique et de gaz et est maintenant devenu une pratique hautement technique.

7- Éclairage et effets sonores

Le placement, l'intensité et la couleur des lumières, ainsi que les effets sonores aident le réalisateur à communiquer l'environnement, l'ambiance ou le sentiment d'une scène.

L'éclairage a été reconnu comme une caractéristique importante de la production théâtrale lorsque les actions intérieures ont été données pendant la renaissance, impliquant l'utilisation de bougies inflammables et de liquides.

Les innovations cruciales de la technologie dans l'éclairage comprenaient l'introduction de lampes à pied, l'utilisation de réflecteurs pour augmenter l'intensité des faisceaux lumineux et l'assombrissement des lumières dans l'auditorium en 1.876.

Le développement de l'éclairage au gaz au début du 19e siècle a représenté une avance importante malgré les dangers impliqués. L'utilisation de l'éclairage électrique a commencé au California Theatre de San Francisco en 1.879.

Les systèmes d'éclairage actuellement dans les théâtres modernes sont contrôlés par des conseils informatisés hautement sophistiqués, qui peuvent coordonner l'éclairage d'un système entier. D'autres innovations récentes ont inclus des expériences avec la lumière ultraviolette, les lasers et l'holographie.

Les effets sonores sont les bruits qui sont générés pour accompagner une scène dans une pièce, qui peut être produite par des ordinateurs ou des acteurs sur et hors de la scène.

8- Directeur

Il est la personne responsable de l'unité totale de production et de coordination des efforts des artistes. Le travail du réalisateur est au cœur de la production d'une pièce, car c'est le directeur qui établit la vision de la production pour toutes les personnes impliquées.

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Le réalisateur a la tâche difficile de rassembler de nombreuses pièces complexes d'une production: le script, les acteurs, les costumes, l'éclairage, le son et la musique dans un tout unifié. Pour effectuer cette tâche, un réalisateur a besoin:

• Interpréter le script.
• Collaborer avec les concepteurs.
• Planifier les essais.
• Guider les acteurs dans leur travail pendant les essais.

Le travail du réalisateur est souvent basé sur une étude détaillée et une analyse de l'objet de script de l'assemblée. De nombreuses lectures minutieuses du script aident le réalisateur à développer une vision individuelle des intentions du dramaturge. Votre perception influencera tout aspect de la production.

Les réalisateurs étudient également les personnages du script, collectant autant d'informations que possible sur leurs caractéristiques physiques et psychologiques, quelque chose de vital pour la sélection de casting.

9- audition

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Groupe de personnes qui voient le travail. De nombreux dramaturges et acteurs considèrent que le public est l'élément le plus important du théâtre, car tous les efforts mis sur l'écriture et la production d'une pièce sont pour le plaisir du public.

Parce que dans le théâtre, les interprètes sont en présence directement avec le public, un flux circulaire d'énergie est généré, l'acteur affecte le public et vice versa. Cet effet est amplifié par le fait que le théâtre est un événement commun.

L'expérience du groupe est indispensable, car le groupe renforce les émotions ressenties par l'individu et crée une conscience collective. Lorsqu'un groupe d'individus répond de manière similaire à ce qui se passe sur scène, leur relation avec les autres est réaffirmée et renforcée.

Le degré de séparation entre la distribution et le public est ce qui différencie le théâtre conventionnel du théâtre participatif.

Dans le premier, le public utilise son imagination pour participer aux travaux tout en se séparant de l'action. Dans la seconde, les acteurs interagissent avec le public essayant de suivre un script établi et improvisé, mettant l'accent sur le développement personnel ou la thérapie collective.

Au théâtre, un public est invité à accepter de nombreux types de mondes imaginaires. Une façon de différencier ces royaumes imaginaires est de les diviser en ce qu'on appelle le théâtre réaliste et non réaliste.

Le réalisme est devenu la manière dominante du théâtre européen à la fin du XIXe siècle, essaie de recréer la vie si proche que le public suppose que ce doit être la vie. Le nonalisme, en revanche, essaie de transcender la réalité observée et de présenter la partie de la vie qui existe dans l'esprit.

Cependant, c'est une erreur de supposer que ces deux approches s'excluent mutuellement. La plupart des performances théâtrales contiennent un mélange d'éléments réalistes et non réalistes.

10- scéographie

Il sert à recréer l'environnement dans lequel l'intrigue se développe, la scénographie a les objectifs suivants:

• Établir le ton et le style de production.
• Établir le temps et le lieu.
• Distinguer le réalisme du non-réalisme.
• Coordonner le paysage avec d'autres éléments.
• Gérer les limites de l'espace scénique et de la zone OFF -SENE.

Tous ces objectifs sont adressés lors de plusieurs réunions entre le réalisateur, le Set Designer et l'équipe de conception. Par la suite, les idées sont incorporées dans des croquis qui, après les critiques, l'analyse et les modifications permettent de concevoir la scène qui convient le mieux à l'histoire et à la vision des créatifs.

Une fois cette étape terminée, les conceptions sont livrées à un directeur technique, qui effectue les constructions, les ajustements et les installations nécessaires sur la scène pour la matérialisation des.

11- scénario

Ce sont des équipements théâtraux, tels que des rideaux, des planchers, des fonds ou des plateformes, qui sont utilisés dans une production dramatique.

12- utile

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Il existe différentes catégories d'hélice. Une grande partie de la main propose le script et sont des éléments requis par le réalisateur. Le concepteur de set demande également généralement dans son ensemble, comme les meubles qui apparaissent sur la scène, il y a parfois une fine ligne de démarcation entre ce type d'accessoire.

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Les accessoires sont tout article mobile qui apparaît lors d'une action, à l'exception des costumes et de la scène. Ce sont des articles manipulés par un ou plusieurs acteurs. Un livre, un pistolet, un verre de vin, entre autres.

13- actes

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Ils représentent une division importante dans le développement du théâtre. La plupart des pièces de l'ère élisabéthaine jusqu'au XIXe siècle sont divisées en cinq actes par les dramaturges ou par des éditeurs ultérieurs.

À la fin du 19e siècle, de nombreux écrivains ont commencé à écrire des œuvres de quatre actes. Aujourd'hui, un, deux et trois actes sont les jeux les plus courants.

14- théâtres (bâtiment)

C'est l'espace dans lequel les acteurs ou le public se lient. Il est essentiel d'avoir un domaine où l'artiste, l'interprète ou l'interprète communique avec un public vivant.

Les bâtiments théâtraux ont évolué des amphumères extérieures des Grecs et des Romains, à l'incroyable variété de formes que nous voyons aujourd'hui. C'est un espace qui soutient l'échange émotionnel entre la distribution et le public.

15- Convention

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Une convention théâtrale est un outil pratique utilisé par le dramaturge ou le réalisateur pour aider à raconter l'histoire de la pièce au théâtre. La convention théâtrale la plus courante est celle des personnages se parler et faire semblant de ne pas remarquer le public.

Il est souvent appelé le quatrième mur ou la quatrième convention d'écran, l'existence d'une division (invisible) entre les acteurs et le public est simulé.

Origines et évolution historique du théâtre

Quand le théâtre a commencé exactement, c'est un mystère. Les chasseurs préhistoriques représentaient des histoires sur leurs expéditions de chasse. Les anciens Égyptiens ont interprété des chansons sacrées et dansé pour leurs dieux en cérémonies religieuses. Mais l'idée du théâtre en tant que divertissement dramatique est venue plus tard.

Il est connu que les mots anglais pour la tragédie et la comédie proviennent de la langue des anciens Grecs. Bien que les Grecs n'étaient pas les premiers à interpréter les pièces, ils étaient très intéressés par les origines de la tragédie et de la comédie.

Dans ses écrits, le philosophe Aristote et d'autres écrivains grecs ont proposé des théories et créé des hypothèses sur la façon dont la forme de l'art du théâtre s'est développée.

Des travaux grecs ont été réalisés dans des salles extérieures. Au début, les théâtres étaient dans des zones ouvertes situées au centre de la ville ou à côté des pentes. Le public était sur le point d'écouter et de voir la chorale chanter sur les aventures d'un dieu ou d'un héros.

Vers la fin du VIe siècle pour. C., Les structures théâtrales sont devenues plus élaborées. À mesure que le théâtre devenait de plus en plus.000 personnes en même temps.

Le théâtre a existé depuis que les gens se sont rassemblés pour la première fois pour écouter quelqu'un d'autre pour raconter une histoire. Les amis et la famille ont partagé les responsabilités du public et de l'interprète, échangeant des rôles aussi longtemps que quelqu'un avait une histoire à partager.

Le théâtre moderne peut être plus formel, les acteurs formés pour recréer une histoire et des spectateurs sophistiqués qui réagissent à une mise en scène, mais l'idée de partager les énergies entre la distribution et un public en direct reste invariant.

Les références

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5. Wilson, E. (2010). Expérience théâtrale. New York, McGraw-Hill.
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