Eduardo Ramírez Villamizar Biographie, travail, pièces exceptionnelles

Eduardo Ramírez Villamizar en 2012. Source: Nicolas Zea Posada, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Eduardo Ramírez Villamizar (1923-2004) était un sculpteur colombien et peintre. Quatre occasions, il a obtenu la première place dans le programme de la National Hall of Artists of Colombia. Il a été reconnu pour incorporer de nouvelles tendances artistiques dans le pays, comme le style abstrait et minimaliste.

Une caractéristique fondamentale de cet auteur était son personnage cosmopolite, car ses voyages constants lui ont permis d'étendre sa perception du monde et de renforcer ses créations. C'était parce qu'il incluait dans chacune de ses œuvres les expériences et les connaissances qu'il acquérait.

Son objectif était de transmettre que la vie était passager et que les mots n'étaient pas nécessaires pour diffuser un message. Il a déclaré que par les lignes et la couleur, une source d'émotions pouvait être perçue, car les portraits et les reliefs étaient également des poèmes. Tout au long de sa carrière, il a reçu plusieurs distinctions nationales et internationales.

Parmi eux se démarque: le Guggenheim Award (1958), le prix biennal de Sao Paul Boyacá (1994). En 1999, le journal Le temps Il a publié que Ramírez était l'une des cent personnes les plus importantes du XXe siècle.

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Biographie

Eduardo Ramírez Villamizar est né le 27 août 1923 à Pampelune, une municipalité située au nord de la Colombie. C'était le dixième fils de Jesús Ramírez et Adela Villamizar. Son père était bijoutier, mais à la fin de 1928, l'État a diminué les crédits pour les micro-répreneurs; raison pour laquelle l'entreprise a cessé de produire et a été en faillite.

En raison de la crise économique, la famille a dû déménager à Cúcuta en 1929. Dans cette ville, Ramírez a mené des études primaires et secondaires; Mais en 1940, il est parti pour Bogotá où il est entré à l'Université nationale et s'est inscrit à la Faculté d'architecture. Cependant, en 1944, il a choisi de suivre sa passion et s'est inscrit à l'école d'art.

En 1945, il a participé à la première exposition collective et ses œuvres à l'aquarelle se sont démarquées pour être des expressionnistes. En 1947, le directeur de l'Université de Cauca lui a demandé de travailler avec Edgar Negret, un sculpteur qui lui a enseigné ce que les manifestations d'avant-garde se développaient en Europe.

L'amitié avec Negret était essentielle pour que Ramírez décide de voyager dans le but de connaître d'autres cultures qui l'ont aidé à étendre sa formation artistique.

Formation artistique

En 1950, il s'est installé à Paris, où il s'est consacré à l'étude des œuvres de Victor Vasarely, Pablo Picasso et Constantin Brancusi. Il a également rencontré Auguste Herbin et Jean Dewasne. Partager avec ces artistes et être proche des représentations d'avant-garde a généré qu'elle était éloignée de l'expressionnisme et a adopté un style plus géométrique.

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En 1952, il est retourné à Bogotá et a présenté à la Bibliothèque nationale une exposition individuelle de ses peintures abstraites. À son tour, il a commencé à concevoir une image pour le bâtiment de la Bavière, qui a été créé en 1955. Depuis 1954, il s'est concentré sur la tournée des territoires de l'Europe et de l'Amérique du Nord pour examiner les œuvres de divers auteurs, tels que Max Bill, Marcel Duchamp et Alexander Calder.

En 1956, le New York Museum of Modern Art a acheté son croquis Le noir et blanc. En 1958, il a fait la fresque Le doré Pour la Banque de Bogotá. En 1959, il a visité Mexico pour exposer ses compositions à la galerie Antonio Souza. Il s'est également rendu au Guatemala afin d'apprécier la vieille ville de Tikal.

Au cours de cette période, il a réfléchi à l'universalisme constructif, par Joaquín Torres García. Cette théorie a soulevé quelle était la façon idéale de voir et de faire de l'art. À partir de ce moment, les créations de Ramírez ont été caractérisées par leurs aspects métaphysiques.

Trajectoire

Au cours de 1960, Ramírez Villamizar s'est concentré sur la construction de certains reliefs et peintures murales. Il est également retourné à New York pour exposer son travail à la Galerie David Herbert. En 1964, il faisait partie du groupe d'auteurs qui ont participé à l'événement Spirit Santo, qui a organisé le musée de Sydney Janis pour mettre en évidence les talents contemporains.

En 1965, il est retourné à Bogotá dans le but d'ériger le Murale horizontale Pour la bibliothèque Luis Ángel Arango. En 1966, il a montré ses œuvres dans l'art de l'Amérique latine depuis l'indépendance et a commencé une exposition de sculptures dans la galerie Graham. En 1967, il a déménagé aux États-Unis, où il a assumé le professeur à l'Université de New York.

Dans le pays nord-américain, il a créé plusieurs monuments qui ont été placés dans le Washington Gardens et au Houston Museum. En 1968, il a été enregistré dans la présentation des sculpteurs sud-américains, qui a été fait par le musée de Louisville. En 1969, il a représenté la Colombie dans l'actuel concours d'art sud-américain, qui s'est tenu à Dallas.

En 1971, il a rejoint le Symposium international des sculptures et a montré ses créations spécifiques. Puis, en 1974, il s'est installé à Bogotá, où il a étudié les éléments naturels qu'il dépeindreait dans ses créations.

Dernières années

Au milieu des années 1980, Ramírez a commencé à élaborer L'heure des lois, Projet dédié à Francisco de Paula Santander. En 1983, il a visité certaines régions du Pérou, grâce à ce voyage qu'il a créé Souvenirs de Machu Picchu. En 1985, il a déménagé à Washington pour rejoindre l'exposition Five Colombian Masters.

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En 1990, le musée Ramírez Villamizar a été inauguré. Pour redonner le geste, l'artiste a fait don de plus de trente œuvres. En 1993, l'Université nationale de Colombie lui a donné le titre de Doctor Honoris Causa. En 2002, il a présenté l'exposition Reliefs Dans la galerie des Diners.

De cette façon, il est perçu que la vie de cet artiste a été déterminée par la composition constante et les reconnaissances de son travail. Il est décédé le 23 août 2004. Actuellement, ses cendres sont à Pampelune, dans le musée qu'ils ont fondé en son honneur.

Chantier de construction

Le travail de Ramírez peut être considéré comme une référence pour le modernisme, il est même possible d'exprimer qu'il représente une nouvelle étape de l'histoire artistique de la Colombie. Le but de l'auteur était que le spectateur soit lié à ses créations. C'est pourquoi il a utilisé des matériaux habituels, comme l'aluminium, le carton, le bois, le fer, le plastique et le béton.

De plus, leurs œuvres sont généralement unicolor. Blanc, gris, noir, vert, rouge, bleu, jaune et ocre prédominer. Lors de la combinaison des tons, il devait créer de la profondeur et du volume, c'est pourquoi il contraste des lignes droites avec les courbes. Au début, leurs peintures reflétaient une idée précise, car les figures ont défini ou critiqué l'ordre social.

À partir de 1950, les contours ont été flous et ont commencé à présenter des formes abstraites. À partir de ce moment, les peintures étaient caractérisées par des minimalistes, ils ont cherché à projeter l'essence fondamentale des éléments qui ont formé la réalité; Mais dans les années 1960, il s'est concentré sur la conception des sculptures, qui ont été identifiées pour être plates.

Cependant, avec le temps qui passe, les colonnes ont commencé à s'incliner jusqu'à ce qu'ils acquièrent leur propre espace. Certaines de ses pièces sont:

-Composition en ocre (1956).

-Horizontal noir et blanc (1958).

-Soulagement circulaire (1963).

-Je salue l'astronaute (1964).

-La rivière (1966).

-Souvenirs de Machu Picchu (1984).

Pièces exceptionnelles

Le doré (1958)

Cette murale a été faite avec des feuilles d'or et mesure plus de deux mètres de haut. Il se compose de cinq piliers horizontaux sous forme d'ovales qui combinent. Il convient de mentionner que deux des colonnes s'étendent et il semble qu'ils diluaient; Sur ces reliefs, sept figures sont situées qui sont similaires aux pétales et au milieu il y a un cercle.

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Ce travail se démarque parce que c'était le premier qui avait une structure à trois dimensions. Pour l'élaborer, l'artiste a été inspiré par la vision du monde pré-colombienne, où il était considéré que dans les régions d'Amérique du Sud, il y avait des terres d'or.

Vaisseau spatial (1979)

Sculpture "Space Mall". Source: Felipe Restrepo Acosta [CC BY-SA 3.0 (https: // CreativeCommons.Org / licences / by-sa / 3.0)], via Wikimedia Commons.

Il s'agit d'une sculpture de dix mètres de long qui est située dans le Plaza del Centro Internacional. Il est construit avec des feuilles de fer peintes en rouge, orange et noir. Il comprend différentes figures géométriques - comme le carré, le triangle, le trapèze et le rhombus - qui constituent une totalité.

Sur la base de votre organisation, il est perçu que ce travail est la représentation d'un navire qui vient d'atterrir ou est sur le point de décoller; Mais apparemment, ce n'est pas en bon état. Sa conception a été influencée par l'écorce d'un oiseau. Le but de ce monument est de relier la nature à la technologie.

Miroir de la lune (1981)

Miroir de la lune. Source: Felipe Restrepo Acosta, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Miroir de la lune Projeter la transacité de la vie. À travers ses avions dispersés, cette œuvre montre que les hommes et leurs créations sont destinés à disparaître. Pour mettre en évidence ce message, l'artiste a construit la pièce avec du fer oxydé. De plus, il contraste un objet permanent (la lune) avec un instrument cassant (le miroir).

Cette sculpture est importante car elle est maintenue directement sur le sol, sans l'aide de bandes externes. Il est composé d'une sphère divisée en deux et autour de lui, il y a plusieurs rhomboïdes qui sont entrelacés. Ses dimensions sont: un mètre avec vingt centimètres à la fois élevés et larges et quatre-vingts centimètres de long.

Les références

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