Biographie et œuvres d'Oswaldo Guayasamín

Oswaldo Guayasamín (1919-1999) est l'un des artistes les plus importants d'Amérique latine, dont l'œuvre a été exposée dans les salles les plus remarquables du monde. Son art a un sentiment autochtone profond avec une position idéologique et picturale caractéristique du continent américain: le réalisme social.

Né à Quito et formé sous les canons traditionnels de l'art, Guayasamín a rompu avec ces projets pour capturer la réalité des peuples autochtones d'Amérique latine qui souffraient d'oppression, ainsi que des attaques de la colonie et du métiorisation.

Dans un style expressionniste, les créations de cet artiste équatorien ont été nourries par des muralistes mexicains concernant l'expressivité, l'utilisation de la couleur et la force qu'ils transmettent, de laisser l'observateur le sentiment de l'énergie vitale de l'auteur et, de cette manière, de cette manière, Votre protestation.

En plus de cette essence indigène, son travail se caractérise également par la protection des tendances avant-gardistes telles que le cubisme et l'expressionnisme, sans perdre le réalisme de montrer une réalité de la violence qui a dénoncé.

Biographie

Oswaldo Guayasamín est né à Quito le 6 juillet 1919 et était le frère aîné d'une famille de dix. Son père, José Miguel Guayasamín, était un indigène de la tribu Quechua; Alors que sa mère, qui a répondu au nom Dolores Calero, était Mestizo.

Dès son plus jeune âge, il a démontré son amour de la peinture lors de la réalisation de caricatures de ses camarades de classe et lors de la préparation des magasins du magasin que sa mère a couru. De plus, il a peint des peintures en morceaux de carton qu'il a vendus aux touristes pour payer ses études.

Malgré l'opposition ferme de son père, le jeune Guayasamín s'est inscrit à l'école des beaux-arts de l'Équateur, dont il a été diplômé en tant que peintre et sculpteur en 1941, recevant également la reconnaissance d'être le meilleur élève de sa promotion.

Un an seulement après son diplôme, il a réussi à faire sa première exposition dans la capitale équatorienne. Cet échantillon a été marqué par son caractère de plainte sociale, il a donc provoqué une agitation entre les participants et la critique de l'époque.

Avec ce style particulier, le jeune Guayasamín a réussi à captiver Nelson Rockefeller, qui a acheté plusieurs peintures et l'a soutenu dans son avenir.

Internationalisation

Après cette exposition controversée et avec le soutien de Rockefeller, Guayasamín a déménagé aux États-Unis, où il a également exposé ses peintures. Au cours des 7 mois de son séjour, il a visité tous les musées qu'il pouvait pour entrer en contact direct avec les travaux d'El Greco, Goya, Velásquez et le muraliste mexicain Diego Rivera et Orozco.

Avec l'argent qu'il a réussi à faire au Mexique pour rencontrer un grand professeur, le muraliste Orozco, qui a frappé son talent lui a permis d'être son assistant. Lors de cette visite, il a également rencontré Diego Rivera et tous deux ont appris la technique de peinture de la fresque.  Au Mexique, il est devenu ami avec Pablo Neruda.

En 1945, il a fait un voyage transcendantal: du Mexique à la Patagonie. Au cours de ce voyage, chaque ville et chaque ville ont fait une tournée pour prendre des notes et des dessins de ce qui a été sa première série de 103 peintures appelées Huacayñan, que dans Quechua signifie "le chemin des pleurs", dont le thème concerne le noir, l'Inde et le Mestizo.

De cette façon, tout son travail a commencé à se retourner sur le thème autochtone, sur l'oppression et la violence dont les peuples autochtones étaient victimes.

Le travail monumental La voie de la Clain Il a été fait grâce au soutien que j'ai apporté à Guayasamín la maison de la culture.

Cette série a été exposée pour la première fois à Quito en 1952 au Colonial Art Museum, et la même année à Washington et Barcelone (Espagne), pendant le III Hispanoamérica de Artes. Dans ce dernier événement, le Grand Prix de la peinture a été récompensé.

Présence dans de grandes constructions

En plus d'avoir des expositions monumentales dans les principaux musées du monde, les travaux de Guayasamín sont également présents dans de grandes constructions.

Par exemple, une murale de la mosaïque de cristal vénitien est depuis 1954 au Simón Bolívar Center à Caracas, qui est appelé à partir de Hommage à l'homme américain.

Pour son pays natal, il a fait deux peintures murales impressionnantes en 1958. Le premier est La découverte de la rivière Amazonie, Également préparé dans la mosaïque vénitien, qui se trouve dans le palais du gouvernement de Quito. L'autre a été réalisé pour la faculté de droit de l'Université centrale d'Équateur qui s'appelle Histoire de l'homme et de la culture.

En 1982, une murale de plus de 120 mètres que Guayasamín a peinte avec de la poussière de marbre et des acryliques a été inaugurée à l'aéroport de Barajas à Madrid. Ce travail monumental a deux parties: l'une est dédiée à l'Espagne et à l'autre en Amérique.

Son travail est également présent au siège de l'UNESCO à Paris et Sao Paulo. Ses monuments décorent également l'Équateur: À la jeune patrie est à Guayaquil et À la résistance Dans Quito.

Reconnaissance et mort principales

Grâce à son travail prolifique, son caractère de dénonciation sociale et sa transcendance universelle, Guayasamín a reçu de nombreux prix et reconnaissances de sa carrière.

Son travail a été reconnu dans le monde. Cela a marqué la consolidation de son internationalisation.

En 1976, il a créé avec ses enfants la Fondation Guayasamín, pour faire un don à l'Équateur de son héritage artistique. À travers cette fondation, il pourrait organiser trois musées: l'art pré-colombien, l'art colonie et l'art contemporain.

Il a été nommé membre de la Royal Academy of Fine Arts de San Fernando en Espagne et membre d'honneur de l'Académie des arts d'Italie. Il a également été nommé vice-président puis président de la Chambre de la culture de Quito en 1973.

De plus, il a été le premier artiste latino-américain à avoir reçu une décoration du gouvernement de la France; Cela s'est produit en 1974.

Il est décédé le 10 mars 1999 sans terminer son plus grand travail, La chapelle de l'homme, qui a été conçu par l'artiste comme un hommage à l'humanité, en particulier au peuple latino-américain. Ceci est un musée d'art construit à Quito qui vise à rassembler l'art latino-américain du Mexique à la Patagonie.

La première phase de l'espace monumental architectural a été inaugurée en 2002. L'UNESCO l'a déclaré comme une "priorité pour la culture", il a donc reçu de nombreuses contributions d'autres États et d'autres artistes éminents du monde entier.

Pièces

La production de guayasamín est marquée depuis sa création par son esprit indigène profond et est chargé d'un contenu de plainte sociale élevé. Il pourrait transférer les frontières des canons traditionnels et devenir l'un des défenseurs les plus fidèles des peuples autochtones d'Amérique latine.

Pour développer son style personnel, il a bu de l'influence des muralistes mexicains, en particulier son professeur Orozco. C'était aussi un fervent exposant de l'expressionnisme, qui a donné à toute sa création une coupe humaniste en reflétant la douleur et la souffrance qu'une bonne partie de l'humanité souffre.

De cette façon, le travail de Guayasamín s'inscrit.

Pour cette raison, ce peintre a dit que «ma peinture est de blesser, de gratter et de frapper les gens du peuple. Pour montrer ce que l'homme fait contre l'homme ". Cela est particulièrement mis en évidence dans leurs visages défigurés et tristes qui transmettent fortement la douleur de leur peuple.

En ce sens, son travail a un centre de la figure humaine, avec des couleurs vibrantes et des thèmes sociaux.

Malgré l'adaptation de son travail aux expériences et techniques laissées par le frottement avec de grands artistes de l'époque, il a toujours maintenu l'expression du sentiment humain sur sa toile. C'est toute sa création, trois âges peuvent être différenciés, qui sont les suivants:

La voie de la Clain

La Fondation Guayasamín a réussi à collecter certaines des premières créations de l'artiste, qui ont commencé à peindre et à dessiner à 7 ans. Quand il est entré à l'âge de 12 ans à l'école des beaux-arts, il a captivé les enseignants et les camarades de classe avec sa virtuosité. Déjà à cet âge a commencé à travailler le thème social qui a marqué plus tard sa carrière.

Ce qui est considéré comme sa première étape, c'est ce que l'on appelle sa première série: la façon de pleurer.

Cette étape se déroule entre 1945 et 1952 et se concentre principalement sur le voyage qu'il a fait avec ses amis à travers l'Amérique du Sud, dans laquelle il s'est arrêté pour visiter chaque ville pour appréhender sa réalité.

Grâce aux notes et aux dessins qu'il a faits pendant le voyage, il a légué le monde Huacayñan, ou la voie qui pleure, Sa première série de 103 peintures dans lesquelles le problème des Indiens, du noir et des métis à travers des archétypes universels qui apparaissent dans des scénarios avec une symbologie ancestrale, comme la lune, le soleil et les montagnes.

Avec tout son fardeau symbolique universel, cette série était celle qui lui a donné une place dans les arts du monde.

L'âge de la colère

À ce stade, il s'est développé dans les années 60, Guayasamín a montré que le contenu esthétique n'est pas la chose importante dans son travail mais le contenu social, le message d'un homme contre l'oppression, la violence et la souffrance.

L'origine de cette plainte remonte à sa jeunesse, un ami d'enfance a été tué par répression à Quito. De là, l'artiste a entrepris la croisade pour représenter la violence de l'homme contre l'homme pour quitter un message de rébellion et de combattre l'aliénation.

Cette rébellion est révélée aux yeux de leurs figures, qui pleurent pour un changement. Ses chiffres ont une douleur malgré la sérénité qu'ils démontrent, leurs mains pleurent pour un espoir.  Tout cela se reflète avec d'énormes traits verticaux pour marquer davantage la douleur.

Avec ce travail, Guayasamín secoua le monde en mettant en évidence toute la cruauté de l'homme au cours du XXe siècle. C'est pourquoi il a réussi à exposer dans les principales villes occidentales du monde, provoquant une agitation à la fois dans les critiques et dans la communauté.

De tendresse

Ce cycle a commencé dans les années 80 en hommage à sa mère, une figure transcendantale de sa vie qui a déclaré son amour et merci de l'avoir toujours soutenu.

Cette série marque un changement dans l'œuvre de l'artiste sans ce sens que les chiffres, maintenant plus serein qu'auparavant, ont perdu dans une certaine mesure leur message de dénonciation et de critique.

L'âge de la tendresse, ou Pendant que je vis, je me souviens toujours de toi, Il est composé de 100 œuvres dont le centre est un hommage à sa mère; En fait, il fait généralement référence à la figure maternelle, y compris la Terre Mère.

Cet ensemble est également considéré comme une chanson aux droits de l'homme. C'est le dernier travail qu'il a occupé, de 1988 à 1999.

Pour son style esthétique particulier, mais surtout pour son thème axé sur la sortie d'un message de rébellion et dénonce à l'humanité, Guayasamín a obtenu avec son art pour transférer les frontières de son Équateur natal et occuper un siège d'honneur dans les arts universels.

C'était tellement grâce au fait que sa création a une expressivité particulière du temps à vivre, pour transmettre un message qui a suscité la conscience de l'humanité et a réussi à générer le cri de la rébellion.

Les références

1. "Biographie" dans la chapelle de l'homme. Récupéré le 10 janvier 2019 de la chapelle de l'homme: Capilladel Man.com
2. Buitrón, G. "Oswaldo Guayasamín" (août 2008) dans "Essays on the Image" de l'Université de Palerme. Récupéré le 10 janvier 2019 de l'Université de Palerme: Palerme.Édu